Customize this title in frenchMessage d’Anohni : pour sauver le monde, nous devrons nous pardonner

Make this article seo compatible,Let there be subheadings for the article, be in french, create at least 700 wordsL’un des artistes les plus intransigeants du 21e siècle, Anohni Hegarty fait de la musique magnifique pour avertir l’humanité de sa disparition. Que ce soit avec une orchestration douce sur l’album classique de 2005 Je suis un oiseau maintenant ou avec des rythmes électroniques sur la version 2016 Désespoir, sa voix chevrotante a prophétisé la mort d’elle-même, de notre espèce et de notre planète avec une clarté obsédante, presque paralysante. Un écrivain de manifestes qui peut se vanter d’une nomination aux Oscars et d’une place sur Pierre roulante’s la liste des 200 meilleurs chanteurs de tous les temps, elle commande un sens de la gravité plus commun aux lauréats du prix Nobel qu’aux musiciens actifs.Maintenant, sur le nouvel album de son groupe, Mon dos était un pont à traverser, elle se situe explicitement dans la tradition protest-music américaine. Les rythmes chaotiques et les refrains recherchés des chansons rappellent Nina Simone, Marvin Gaye et d’autres chanteurs de la lutte pour les droits civiques. Certaines des paroles, comme celle qui titre le morceau d’ouverture, « It Must Change », pourraient être des slogans scandés lors d’une marche. La couverture de l’album est une photo de Marsha P. Johnson, l’activiste qui a contribué à consolider le mouvement de libération queer et a inspiré le nom du groupe d’Anohni, les Johnsons. (Son image est, entre autres, un rappel qu’Anohni chante sur sa propre identité transgenre bien avant que les droits des trans ne soient une préoccupation dominante.)Bien que charmantes, ces nouvelles chansons ont toujours une honnêteté macabre. « Bouc émissaire » envisage un crime de haine du point de vue du criminel : « Je peux t’utiliser comme des toilettes / Je peux te frapper / Et prendre toute ma haine / Dans ton corps. » Sur « Pourquoi suis-je vivant maintenant? », Elle peint un paysage infernal trop reconnaissable de ciels enfumés et d’animaux mourants, se lamentant: « Je ne veux pas être témoin. » Quelle ligne de conduite ces sombres visions sont-elles censées inspirer ? Je voulais lui parler pour comprendre.Il s’avère qu’interviewer Anohni a été une expérience aussi intense que d’écouter sa musique. Après qu’elle m’ait salué d’une manière gloussante et amicale, son discours est devenu hésitant. Chaque réponse a été minutieusement élaborée et utilisait une terminologie personnalisée : les styles musicaux étaient de la « technologie » ; la tolérance était le « mandat des soins ». Elle s’arrêtait à plusieurs reprises et demandait à réviser ses pensées, et semblait parfois parler à travers les larmes. A la fin de la conversation, le charme se rompit et elle retrouva la convivialité. « Désolé si j’ai eu un peu – je ne sais pas ce que j’ai eu, » dit-elle avant que nous mettions fin à l’appel. Je me sentais vidé mais rassuré : dans cette musique viscéralement effrayante se cache une théorie rigoureuse de la façon dont nous pourrions tous survivre.Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté.Spencer Kornhaber : Le titre de « Ça doit changer » est-il une commande, disant aux gens de changer ? Ou est-ce un constat : Inévitablement, les choses changent.Anohni : C’était un sentiment en moi. C’est forcer un espace dans son imagination à exister. J’ai vu la société passer des années 90, où les gens niaient la gravité des changements environnementaux que nous connaissions déjà, à une attitude résignée à l’intérieur de 10 ans. Cet espace dans notre imagination, pourquoi a-t-il été étouffé ?C’est probablement en partie parce que les gens se sentent tellement impuissants. Nous avons tous été contraints à ces positions de stress complices en relation avec le consumérisme, où il est même impossible de manger de la nourriture sans faire de mal. Il est difficile, face à tant de honte et de culpabilité face à notre propre complicité en tant que consommateurs, d’imaginer un changement plus large.Kornhaber : Votre dernier album était Désespoir, et il était assis dans ce sentiment de désespoir. L’ambiance cette fois est un peu différente. Cela reflète-t-il que vous gagnez de l’espoir ou que vous changez simplement votre façon de vous exprimer ?Anohni : Désespoir était probablement le disque le plus stratégiquement exécuté que j’ai fait. J’ai entrepris de perturber les hypothèses des gens sur ce à quoi servait ma voix. Ce n’était plus une voix de consolation ou de réconfort. Je voulais incarner des conversations compliquées sur ma propre complicité.Mais ce qui était intéressant dans Désespoir est que même si je pensais que je faisais ce cri de guerre, essayant de briser le déni, les gens qui s’en souciaient étaient des gens qui ressentaient la même chose que moi mais appréciaient que quelqu’un chante leurs pensées. C’est bon entendre quelqu’un chanter « Je ne veux pas faire partie de cette campagne de bombardement de drones qui prend des vies dans une partie du monde que je ne comprends même pas. »Le chant est un canal de communication différent. Cela vient de l’esprit. C’est ancien, et ça contourne beaucoup de conneries. Lorsque vous mettez des mots ou des idées vraiment directs et clairs sur ces flux sonores, ils peuvent atteindre une autre partie de vous. Je veux dire, c’est ce que Marvin Gaye a fait avec Que se passe-t-il. Il a pris toute cette technologie de la musique, puis il l’a militarisée avec un scénario clair décrivant la vie telle qu’il la voyait. Ce n’était pas juste une chanson. C’était une accumulation de chansons qui identifiaient systématiquement numéro après numéro. Et cela a abouti à une vision unique qui comprenait une vision du monde. C’est puissant.Et ironiquement, pour tous ceux qui disent Désespoir est tellement sans espoir, mon désir était d’utiliser un langage plus vigoureux pour parler de ce que je ressentais réellement. La musique que je faisais était trop pastorale. Il ne répondait pas à l’époque. Ce n’était pas assez vigoureux. Et c’est pourquoi j’ai fait Désespoir. Ce n’était pas moi qui m’amusais avec des musiciens classiques.Lire : Drones, réchauffement climatique et autres excellents sujets pour les chansons popKornhaber : Où ce nouvel album atterrit-il par rapport à ce sentiment ?Anohni : Ce disque est né comme une impulsion. J’ai contacté mon label pendant COVID et j’ai dit: « J’aimerais faire un disque » soul aux yeux bleus « . » L’âme aux yeux bleus est évidemment une idée très compliquée et problématique. Et pourtant, tout est enveloppé dans la vérité sur l’origine de ma voix.Pourquoi, à 10 ans, écoutais-je des chanteurs de New Wave comme Boy George et Alison Moyet, qui chantaient avec ces voix intensément soul et évocatrices aux accents américains ? Enfant, j’étais assis près de la radio dans le sud de l’Angleterre et j’entendais ces chanteurs exprimer une sorte de savoir que je n’avais vu nulle part ailleurs dans la société dont je faisais partie. Ici se trouvait cette oasis de résilience gracieuse, incarnée sous la forme d’une reine irlandaise de Londres de 20 ans nommée Boy George, chantant comme une Américaine noire de 50 ans. Ce fut le début d’un déferlement de voix anglaises blanches fondées sur la technologie soul de la musique noire américaine des années 50 et 60. Les enfants britanniques l’ont attrapé comme un radeau de sauvetage, et je me demande pourquoi.Le système de classe au Royaume-Uni était une guillotine. Et j’imagine des gosses de la banlieue de Londres allant voir des concerts d’Otis Redding ou assis en train d’écouter Nina Simone. C’est comme une illumination. Les enfants entendent ces voix qui expriment une connaissance de la façon de naviguer dans des circonstances intenables avec grâce, résilience et joie. Et leurs putains d’esprits sont soufflés. Cette technologie a été reprise et imitée à travers les générations.Kornhaber : Comme vous l’avez dit, c’est une tradition tellement délicate et problématique. Comment comptez-vous le discours d’appropriation ?Anohni : Je suis d’une génération naïve. Je veux dire, Culture Club : Boy George était une reine efféminée dans le maquillage de Liz Taylor portant des tenues hassidiques – avec un bassiste descendant des îles, un batteur juif et un gars blanc aux cheveux blonds à la guitare – chantant avec la voix de, comme, Millie Jackson. C’est comme, qu’est-ce que c’est ? Pour moi, c’est la biodiversité culturelle. Maintenant, nous appellerions cela une vision naïve du multiculturalisme comme paradis urbain. Et c’est ce sur quoi j’ai été élevé. Nous allions en ville en espérant voir tous ceux qui étaient différents, et c’est là que je me sentais en sécurité. Parce que si tout le monde était différent, alors j’étais normal.Toute la conversation sur l’appropriation, c’est réel. Tout est…

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