Berlin n’est peut-être pas aussi fastueux que les autres grands festivals européens, Cannes et Venise, mais il sait tirer le meilleur parti de ce que l’on pourrait appeler le « starpower éthique ». D’où Steven Spielberg, présent cette année pour recevoir l’Ours d’or récompensant l’ensemble de sa carrière, qui a prononcé un discours éloquent et imposant sur la longévité, la guérison et, comme il sied à l’endroit, le poids de l’histoire. Et donc l’acteur hollywoodien sérieux Kristen Stewart à la tête d’un jury composé de la star irano-française Golshifteh Farahani et des précédents réalisateurs primés à la Berlinale Carla Simón et Radu Jude – une formation qui semble très susceptible de faire des choix de récompenses audacieux.
Mais il y a aussi cette tradition de longue date de la Berlinale qui consiste à combiner le prestige du tapis rouge avec un certain sérieux qui ne s’épanouit pas toujours à l’écran. Un excellent exemple cette année a été Golda, un drame solennel et lent sur la première ministre israélienne Golda Meir et la guerre du Yom Kippour, avec Helen Mirren donnant une performance solide et réfléchie, seulement pour être éclipsée par son étrange maquillage prothétique. Et puis il y a eu le documentaire de Sean Penn sur l’Ukraine, Superpuissance, co-réalisé avec Aaron Kaufman, dans lequel un éloge compréhensiblement étoilé à Volodymyr Zelenskiy a été éclipsé par beaucoup d’hyperventilation narcissique sur la chose étonnante que c’était d’être Sean Penn pris dans le tourbillon de l’histoire. C’était un morceau phénoménalement gauche et mal avisé ; par contre, Front de l’Estd’Ukraine même, était la vraie affaire, un documentaire sobre, urgent et profondément troublant de Vitaly Mansky et Yevhen Titarenko, basé en grande partie sur les images de ce dernier, tournées en service avec une équipe médicale bénévole.
Pendant ce temps, le festival a commencé sur une note réjouissante, voire facétieuse. Film d’ouverture de Rebecca Miller Elle est venue à moi était un souffle d’une comédie sur un compositeur d’opéra bloqué (Peter Dinklage) qui récupère son mojo grâce à une skipper de remorqueur amoureusement accro (Marisa Tomei). Il mélangeait maladroitement la sophistication urbaine avec une maladresse volontaire, mais était maladroitement joué – notamment par Anne Hathaway en tant que psy réprimé – et à peine déplaisant.
Berlin a souvent été considérée comme une programmation trop sérieuse, son respect pour l’art cinématographique souvent éclipsé par son sens de la responsabilité politique. Mais aujourd’hui, sous la direction de Carlo Chatrian et Mariette Rissenbeek, le festival n’hésite pas à mettre en avant le cinéma avec un C majuscule, tourné vers l’aventure. La compétition de cette année comprenait des films aussi difficiles que ceux que nous avons vus ici depuis un certain temps, ainsi que d’autres extrêmement accessibles. Il y avait un grand plaisir pour la foule sous la forme de Suzume, du maestro de l’anime japonais Makoto Shinkai (votre nom, Vieillir avec vous). Existant à un moment étrange de la romance YA et du drame apocalyptique de course contre la montre, il nécessite une certaine tolérance pour le kitsch visuel et kawaii gentillesse, mais il est indéniable que les aventures d’une adolescente, d’un chat démoniaque et d’une chaise parlante avaient une invention dérangée à revendre.
Un point culminant de la compétition plus discret est venu directement de sa première à Sundance: Vies antérieures, un premier film de la dramaturge canado-coréenne Celine Song. Il s’agit de deux enfants coréens qui se séparent mais se réunissent des années plus tard lorsque le garçon (joué à l’âge adulte par Teo Yoo) se rend à New York pour rendre visite à la fille, maintenant écrivain (Greta Lee, profitant d’un moment décisif). Ce film magnifiquement interprété et richement nuancé évoque le temps, l’identité et un concept coréen appelé in-yunconcernant le destin et les couches de connexion entre les personnes. Vies antérieures a prouvé qu’un drame commercialement attrayant de nos jours peut encore combiner l’intelligence adulte et la délicatesse émotionnelle. C’était probablement le film le plus admiré, voire le plus adoré de Berlin – et, qu’il remporte ou non des prix ici, il est sûr de conquérir le circuit des récompenses dans un an.
C’était certainement le film le plus direct émotionnellement en compétition, avec Jarticleun drame familial de la réalisatrice mexicaine Lila Avilés, après ses débuts La femme de chambre. Cette pièce d’ensemble animée couvre une journée dans la vie d’une famille d’artistes de Mexico, alors qu’ils célèbrent l’anniversaire de leur frère en phase terminale ; tout est largement vu à travers les yeux de sa fille de sept ans, magnifiquement interprétée par la nouvelle venue Naíma Sentiés, et encore une fois, chargée d’émotions réelles sans se transformer en sentiment.
En général, cependant, la compétition était définie par son côté conflictuel. Disco Garçon, un premier film réalisé en France par Giacomo Abbruzzese, mettait en vedette l’acteur allemand Franz Rogowski et décrivait les vies parallèles d’un militant africain et d’une recrue de la Légion étrangère française ; c’est un film d’une intelligence d’acier et d’un style dur et disloqué qui promettait beaucoup mais n’a pas tout à fait atteint une ligne d’arrivée satisfaisante. Et Manodrome, du réalisateur sud-africain John Trengove, est le dernier en date de ce qui sera sûrement un long cycle de films « d’hommes toxiques en crise ». Jesse Eisenberg joue, tremblant de rage à peine réprimée en tant que chauffeur de taxi sous l’influence d’un culte misogyne de la masculinité, dirigé par un Adrien Brody doucement sinistre. C’est intense comme l’enfer mais encore une fois, je ne sais pas trop où aller.
D’autres films, cependant, savaient exactement où ils se dirigeaient, mais avaient la confiance supplémentaire pour laisser le public deviner. Celle qui créait entièrement son propre monde et ses propres règles était La survie de la gentillesse par le vétéran australien Rolf de Heer. Il s’agit d’un drame au-delà de la dystopie sans dialogue – ou plutôt, avec un discours seulement marmonné dans des langues à peine identifiables. Une héroïne d’âge moyen, répertoriée au générique sous le nom de « BlackWoman » et jouée par la nouvelle venue Mwajemi Hussein, se libère de la captivité dans une cage en métal, puis erre à travers un désert avant d’arriver sur un site industriel infernal gouverné par un peuple dirigeant portant des masques à gaz qui les font ressembler à des aardvarks humains. En partie une parabole sur la race, le colonialisme et la résistance, en partie une vision onirique avec une touche de Jorge Luis Borges, c’était l’un des films les plus originaux et les plus imposants ici, bien qu’à peine le plus facile à aimer.
C’était l’un des deux films australiens audacieux en compétition : l’autre était Limbo du réalisateur indigène Ivan Sen, qui n’aura sûrement aucun mal à trouver un public plus large. Situé dans les paysages lunaires d’un territoire minier d’opale du Queensland, et éblouissant tourné en noir et blanc par le réalisateur lui-même, c’est un thriller existentiel épuré sur un flic accro à l’héroïne (un Simon Baker taciturne) passant en revue l’affaire froide d’une femme autochtone portée disparue. Il fonctionne entièrement selon ses propres termes et à son propre rythme, creusant le genre policier pour un effet cool et excitant.
Mais aucun titre de compétition n’a été aussi radicalement sui generis comme Musique, par l’expérimentatrice allemande hardcore Angela Schanelec. Elle était ici en 2019, avec son impénétrable envoûtante J’étais à la maison, mais, qui a fait des choses très étranges avec des morceaux de Hamlet. Son nouveau film est une variation moderne presque sans paroles du mythe d’Œdipe, qui se déroule initialement en Grèce avant de sauter brusquement et inexplicablement à Berlin (y compris des scènes se déroulant à deux pas du centre du festival, le Palast). Un jeune homme, né dans les montagnes grecques lors d’une tempête, grandit avec des douleurs chroniques aux chevilles, puis est emprisonné pour homicide involontaire. Il forme un couple avec l’une des gardiennes de prison (la française Agathe Bonitzer, habituée de l’art et d’essai), devenant plus tard chanteur à Berlin – à ce moment-là, toute correspondance évidente avec le mythe original est devenue obscurcie par un réseau dense de symboles, d’échos et d’énigmes. . Musique ressemble moins à du cinéma narratif – même de la variété la plus artistique, la plus godardienne – qu’à de l’art conceptuel, ou à une forme cinématographique de poésie moderniste opaque. C’est peut-être presque hermétique, mais c’est complètement bouleversant. Cela prouve que les sélectionneurs berlinois n’ont pas peur de sortir le cou, et si le jury de Kristen Stewart emboîte le pas, le film de Schanelec pourrait être l’Ours d’or le plus audacieux depuis des années.
Le meilleur de Berlin
Meilleurs longs métrages Musique (Angela Schanelec); Limbo (Ivan Sen); Vies antérieures (Céline Song).
Meilleurs documentaires Front de l’Est (Vitaly Mansky, Yevhen Titarenko); et Sur l’Adamantele film de Nicolas Philibert sur un centre de jour parisien pour patients psychiatriques qui offre un refuge social – et pour certains artistique – aux personnes qui l’utilisent.
Meilleures performances La nouvelle venue congolo-australienne Mwajemi Hussein dans Rolf de Heer La survie de la gentillesse; Greta Lee dans Vies antérieures; Mia Goth en hédoniste choyée de l’enfer dans le fantasme cauchemardesque tout droit sorti de Sundance de Brandon Cronenberg Piscine à débordement.
Meilleure musique Chris Taylor et Daniel Rossen du groupe américain Grizzly Bear, pour Vies antérieures; Doug Tielli (plus Haendel, Vivaldi et co) dans Musique
Discours le plus étrange Hommage sur scène de Bono à Steven Spielberg, alors que le réalisateur a reçu l’Ours d’or d’honneur. Le chanteur de U2 a révélé son admiration pour le film de Spielberg de 1974 Le Sugarland Express: « La mère est jouée par le grand Goldie Hawn, mais tout ce que je vois, c’est ma propre mère, telle que je la voyais enfant, gigantesque, imparfaite. Je pleure bien que mon cœur soit plein de joie parce que je sais que ma propre mère viendra toujours me chercher. C’est du pur cinéma. Non, c’est du pur Spielberg. S’il vous plaît Dieu, personne ne l’a lancé HE.